Cinq films d’animation classiques que vous n’avez probablement pas vus

Une liste des temps forts les moins regardés de la saison d’anime BFI, avec Belladonna of Sadness d’Eiichi Yamamoto, Memories de Katsuhiro Otomo et Masaaki Inu-Oh par Yuasa

La vaste rétrospective Japon 2021 du BFI, qui a commémoré plus de 100 ans de cinéma japonais à travers une myriade de tendances, de genres et de formats, s’est terminée en janvier de cette année. Mais maintenant, un épilogue très bienvenu sera publié à la fin de cette semaine. ‘Animé‘ est une célébration de certaines des plus grandes exportations de films du pays, et cette saison de programmation animée de deux mois verra à la fois les favoris des fans et les classiques cultes sur grand écran à Londres d’ici la fin mai. .

En plus du tarif classique du Studio Ghibli, qui comprend Princesse Mononoke et fait disparaître, il y a des rétrospectives couvrant les carrières d’auteurs contemporains tels que Makoto Shinkai (Votre nom), Mamoru Hosoda (La fille qui a traversé le temps) et Satoshi Kon (bleu parfait). Les tendances en matière de voix féminines incluent le film de 2016 de Naoko Yamada une voix silencieuse, tandis que la collection “History of Anime” est basée sur des œuvres datant de 1917. Et les obscurs longs métrages et anthologies cultes sont entrecoupés de jalons d’animation révolutionnaires, ainsi que d’une série de bandes-annonces montrant ce que pourrait être la prochaine vague d’œuvres d’anime définitives. .

Lisez la suite pour explorer une liste de cinq faits saillants moins regardés de cinq décennies différentes, qui contribuent tous à ce qui semble être l’événement anime de l’année au Royaume-Uni.

Le réalisateur Eiichi Yamamoto, malheureusement décédé fin 2021, s’est d’abord fait un nom en adaptant les œuvres du “parrain du manga” Osamu Tezuka pour la télévision et le cinéma dans les années 1960.

Astro Boy il reste l’une des franchises de mangas et d’animes les plus réussies au monde, avec plus de 100 millions d’exemplaires vendus de la série de mangas originale. kimba Le Lion Blanc, entre-temps, ce serait plus tard un considérable et controversé influence sur le succès retentissant de Disney Le roi Lion. (Les adaptations cinématographiques des deux franchises japonaises peuvent également être trouvées ailleurs dans la programmation de la saison BFI Anime.) Cependant, alors que les années 70 approchaient et que les “films roses” softcore inondaient les salles d’art et d’essai japonaises, Yamamoto et Tezuka cherchaient un angle résolument différent : avec un plan à trois. des fonctionnalités d’anime classées X collectées sous la bannière animerama.

Les milles et une nuit (1969) avait été un énorme succès au box-office; cléopâtre (publié en tant que Cléopâtre : reine du sexe Aux Etats-Unis; 1970) beaucoup moins. La troisième et dernière entrée de la série a conservé les thèmes érotiques et les images explicites de ses deux prédécesseurs, mais a augmenté l’expérimentation avant-gardiste grâce à l’utilisation d’aquarelles pastel et de séquences de rêves psychédéliques. Belladone de tristesse (1973) a été un échec financier catastrophique, cependant, et a mis en faillite le studio de production derrière lui.

Considéré comme perdu pendant des années, ce conte essentiellement féministe de viol, de vengeance et de démons sataniques dans l’Europe médiévale a été restauré avec amour en 2015 et jouit aujourd’hui d’un culte. Une grande partie des éloges est allée à son imagerie surréaliste, inspirée par Gustav Klimt et les artistes impressionnistes, et la bande-son symphonique psych-rock et acid jazz du compositeur Masahiko Satoh.

Le cinéaste d’anime culte Mamoru Oshii est surtout connu en Occident pour son classique de 1995 Fantôme dans la coquille – peut-être le meilleur anime cyberpunk film réalisé ailleurs qu’en 1988 Akira. Son long métrage de 1989 patlabor: Le film, cependant, c’est un point culminant souvent éclipsé qui vise les deux susmentionnés avec son esthétique en béton concassé, ses nuances de science-fiction et son histoire techno-mystère.

Dans un futur imaginaire se déroulant en 1999, Tokyo s’appuie fortement sur des robots industriels géants pour un projet de rénovation à grande échelle, jusqu’à ce qu’un défaut suspect coïncidant avec le dévoilement d’un nouveau modèle de machine provoque l’action de divers “travaux”. La conséquence de cela, comme on le voit lors de l’acte d’ouverture chaotique du film, est la terreur et la destruction, et la police de Tokyo se retrouve bientôt mêlée à un complot impliquant un mystérieux suicide, un typhon dévastateur et une forte symbolique religieuse.

Des parallèles peuvent être trouvés dans tout, des robots géants de transformateurs à la techno-paranoïa des films de science-fiction classiques 2001 : l’odyssée de l’espace et le terminateur. Mais au cœur du film se trouve son style artistique vivant, imprégnant les dystopies des chantiers de construction d’une chaleur estivale délirante, contribuant à une atmosphère évocatrice tout au long. La suite du film de 1993, également d’Oshii, peut être trouvée ailleurs pendant la saison d’anime BFI, et c’est sans doute encore mieux.

En parlant de Akira, Le réalisateur visionnaire et artiste manga Katsuhiro Otomo a été le producteur exécutif de ce film d’anthologie de science-fiction de 1995, composé de trois courts métrages brillants basés sur ses propres histoires de manga : Rose magnétique, bombe puante et Chair à canon.

Le premier, réalisé par Koji Morimoto (l’animatrice), et basé sur un scénario de Satoshi Kon (bleu parfait), met l’accent sur l’imagerie HR Giger-esque alors qu’un vaisseau spatial cargo flotte à travers le cosmos. L’équipage du navire est bientôt attiré par un mystérieux signal SOS, atterrissant sur un satellite abritant un manoir opulent rempli de salles de banquet, d’un décor somptueux et de jardins luxuriants et vallonnés, comme un mystère d’horreur psychologique qui épouse les intrigues de Extraterrestre et Solaris de bonne heure il se développe boule puante retrace ensuite les conséquences d’une contagion virale dans une ville de montagne pittoresque, avec des clins d’œil à Aube des morts en abondance.

Chair à canon, dirigé par Otomo lui-même, agit comme une sorte de chaînon manquant entre Akira et le film steampunk du réalisateur en 2004, garçon de vapeur (les deux apparaissent également dans la programmation Anime de BFI). Situé dans une ville fortifiée du futur bordée de gigantesques canons d’artillerie, où la propagande télévisée encourage les citoyens à “tirer et exploser de toutes leurs forces pour notre nation”, ce court métrage saisissant fétichise les images de l’acier, de l’industrie et de la guerre militariste dans un intrigue rappelant le classique dystopique 1984.

Le réalisateur Shunji Iwai est surtout connu pour ses œuvres de rêve en direct, telles que le lauréat de l’Oscar japonais. Lettre d’amour (1995), et le classique culte lyrique et elliptique Tout savoir sur Lily Chou-Chou (2001). Le cas d’Hana et Alice cela reste son seul long métrage d’animation (il s’agit en fait d’une préquelle de son film Hannah et Alice, filmé plus d’une décennie plus tôt), mais son style d’animation hybride innovant en fait l’une des œuvres les plus mémorables de son canon.

Le film parle essentiellement de deux lycéennes qui travaillent ensemble pour découvrir la vérité derrière un conte local : le pupitre d’école d’Alice (Yū Aoi), apprend-elle, appartenait apparemment à un garçon nommé Judas qui aurait été tué par l’une des quatre femmes qu’il a épousées plus tard. . La voisine excentrique Hana (Anne Suzuki) aide Alice à formuler un plan pour découvrir ce qui est vraiment arrivé à l’étudiant disparu dans ce drame pour adolescents doux et drôle.

Outre son charme narratif évident et sa partition fantaisiste pour piano et cordes (également d’Iwai), ce sont les visuels du film qui font Le cas d’Hana et Alice Le film a été créé à l’aide de la rotoscopie, une technique dans laquelle des acteurs en direct sont filmés, puis les images sont remplacées ou tracées par des animateurs, ce qui donne un style d’animation hybride riche et réaliste. Dans le film d’Iwai, chaque scène semble complexe et pleine de détails, avec l’ajout d’une lumière parasite rose et violette garantissant que chaque plan est plein de dynamisme et de couleur.

Une avant-première exclusive de Masaaki Yuasa Inu-Oh, qui a été présenté en première au Festival du film de Venise en 2021, se déroule le 30 mars au BFI avant une sortie plus large attendue en mai. Situé au Japon du XIVe siècle, cet hybride historique et musical adapte l’histoire d’un danseur physiquement déformé (le titulaire Inu-Oh) qualifié de “monstre laid” par les habitants de la ville, qui rêve de devenir un artiste célèbre. Il partage son combat avec la musicienne aveugle Tomona, dont les talents artistiques sont également éclipsés par son propre handicap.

Inévitablement, le duo est devenu le sujet de conversation de la ville en tant que membres d’un groupe d’arts de la scène d’avant-garde (“Biwa et des percussions comme vous n’en avez jamais entendues !”, déclare un fêtard) qui réinvente le jeu de luth traditionnel en un rock and roll innovant. Les récits de clans en guerre et le folklore fantomatique sont convenablement mis en scène au son de riffs lourds et de solos (clins d’œil à Jimi Hendrix et Reine, inclus) dans cette lettre d’amour imaginative à une période culturellement importante de l’histoire japonaise.

pdolending